Le samedi 25 avril à partir de 19h, finissage des expositions Demain, demain et Au Travers de la Serrure !

Au programme :

- DJ Set de Lego My Ego, artiste exposé dans l’exposition Demain, demain
– DJ Set de Dépendance Affective

Entrée libre
Bar sur place

Exposition – La Station fête ses 30 ans à La Citadelle.
Avec les artistes : Tom Barbagli, Arnaud Biais, Marc Chevalier, Camille Franch-Guerra, Jeanne Leclercq, Donia Ouassit, Eleonora Paciullo, David Raffini, Omar Rodriguez Sanmartín, Ian Simms, Clémentine Taupin, Cédric Teisseire, Agathe Wiesner, Anne-Laure Wuillai

 » Que reste-t’il quand on ne meurt pas jeune ?

La mythification d’une jeunesse fauchée dans son âge d’or est pleinement inscrite dans notre société. Que Kurt soit parti trop tôt, nous sommes bien d’accord. On aurait aimé voir ce que donne sa voix éraillée à l’aube de ses soixante ans, chantant Something on the way dans un monde déséquilibré sur quasiment tous les plans. Too Old to Die Young.

Immédiatement, la phrase renverse et une tension générationnelle apparaît, un slogan underground qui surfe sur l’esthétique post-jeunesse. Dans une culture de la survivance plutôt que de l’héroïsme, à la façon d’un Camus où l’absurde de vouloir rester à tout prix dans cette vie devient un acte militant, l’idée du collectif et de ce qu’est La Station, continue, utilisant l’humour et le cynisme en remparts, adoptant une attitude mi-hallucinée, mi-désabusée pour avancer, malgré tout.

Une culture de la marginalité raisonnable, acceptable finalement, s’attachant à trouver de la beauté dans tout ce qui reste ou tout ce qui s’achète. Too Old to Die Young devient une poétique de l’après, du résidu, de ce qui continue. La phrase peut également apparaître comme une déclaration : vous avez devant vous des artistes qui ont dépassé le mythe de la précocité, et qui font face à leurs œuvres, refusant le survol ou le spectaculaire facile.

La Station, lieu mythique de la création contemporaine dans le paysage azuréen, est un espace inédit créé en 1996, un artist run space inventif, essentiel, humain, célébrant une pratique artistique joyeusement ambiguë, à mi-chemin entre l’ego et le commun. La Citadelle – Centre d’art & Musée – est heureuse d’inviter quatorze artistes à fêter les trente ans de La Station à l’occasion de cette exposition. « 

Camille Frasca

Vernissage le jeudi 2 avril 2026 à 18h à l’occasion de l’ouverture du festival « Les Visiteurs du Soir » du réseau Botoxs.
Exposition du 3 avril au 31 mai 2026

Plus d’information : https://lacitadellevsm.fr/

Avec les artistes : Loïc Alsina, Arnus, Sarah Barthe, Sinem Bostanci, Marie-Pierre Brunel, Lucas Compagnoni, Yannick Cosso, Nicolas Gaillardon, Marine Gambardella, Robin Genoux, Jérémy Griffaud, Julien Griffaud, Chloé Héreau, Ugo Lange, Lego My Ego, Alexandre Louvenaz, Guangli Liu, Loïc Le Pivert, Céline Marin, Gérald Panighi, François Paris, Maxime Parodi, JP Racca Vammerisse, Mathilde Reynaud, Jimmy Richer, Julien Sampson, Quentin Spohn, Valentine Trassy, Florent Testa et Claude Valenti.

Un jour, bientôt, demain, tout changera de forme (Hugo, Légende,t. 5, 1877, p. 908)

Prenant appui sur ces quelques mots de Victor Hugo, le collectif SUPER ISSUE use de ses talents divinatoires pour vous offrir sa vision du futur (!), éternel objet de fantasme dont la substance n’a de cesse de se modifier au gré des évolutions sociétales, scientifiques ou climatologiques, pour ne citer que celles-ci….
Quand il s’agit d’exposition, SUPER ISSUE prolonge cette dynamique d’ouverture en invitant régulièrement des artistes extérieurs à l’équipe…
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SUPER ISSUE est un collectif de plasticiens qui édite des fanzines, des livres d’artistes, des sérigraphies ou d’autres objets artistiques sous quelque forme que ce soit, de façon totalement indépendante et autofinancée.
Pour la partie éditoriale, chaque tirage est imprimé de façon très limitée et numéroté à la main.
Le collectif est basé à Nice mais les artistes publiés peuvent venir de toute  la France et même de l’étranger.

Exposition du 11 février au 25 avril 2026

Vernissage le samedi 7 février 2026 à partir de 18h 
Ouverture du mercredi au samedi, 14h à 19h 
Entrée libre
Visite de groupe, réservation : starter@lastation.org

© Claude Valenti

Avec les artistes : Evan Barbedette, Jules Boillot, Heloïse Farago,  Alix Le Boucher, Paul Lemaître et Lila Vignot

“Caché·e derrière un arbre, à l’abri d’un buisson, pris·e à l’étroit dans l’alcôve d’un bâtiment lugubre ou de votre propre silhouette, à cavaler en recherche de votre but, attention à ne pas mettre les coudes sur la table. Soyez les bienvenu·es dans cette escapade où l’irréel de six dessinateur·ices vous emportera dans leurs songes, leurs utopies et leurs souvenirs. Ceci n’est pas un appel à la vigilance mais bel et bien une invitation à se pencher pour contempler. Laissez vos repères à l’entrée et ne comptez pas qu’on vous les rende un jour.”

Au travers de la Serrure, pensée comme carte blanche au Collectif DdD, convoque six artistes de la jeune scène contemporaine du dessin Alix Le Boucher, Héloïse Farago, Jules Boillot, Lila Vignot, Paul Lemaître et Evan Barbedette pour faire paysage commun.

Tel un cabinet de curiosité, l’exposition réunit des singularités de dessinateur·ices découvert·es au travers de la scène du fanzine francophone et dispersé·es sur le territoire. Qu’il s’agisse de scènes médiévales, qu’elles soient extraites de jeux vidéo, qu’elles ramènent du domestique dans l’espace d’exposition, les œuvres présentées sont autant de dessins qu’elles sont des invitations à nous plonger en eux. Au Travers de la Serrure met en exergue le rôle du visiteur derrière le quatrième mur des images, le bridant à sa position de spectateur, voire épieur, dû à l’impossibilité de vérifier sa bienvenue ou non par le dessin. Alors penchez-vous, passez votre chemin ou bien prenez le temps de témoigner des scènes mises devant vos yeux.

Si le motif intervient dans l’espace d’exposition comme ponctuation, c’est sans compter sur le rythme qu’imposent les différentes formes des supports. Les artistes proposent ici une vision qui réinvente la forme quadrilatère au profit de supports glanés, découpés, déchirés et assemblés. À travers une palette vive, parfois acide, les œuvres exposées convoquent à la fois une certaine intranquillité et une liberté émancipatrice.

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Le collectif DdD a été fondé en 2022 par Clémentine Taupin, Clément Morlé et Antoine Graff alors qu’iels étaient étudiant•es à l’ENSAD de Nancy.
Motivé•es par l’envie de faire une édition collective de dessins basés sur la réinterprétation d’extraits audiovisuels, iels lancent une revue annuelle qu’iels nomment Cristal Liquide. Le projet s’élargit pour inviter au total une dizaine d’artistes issu•es de cette même école, ce qui donne le nom DdD, signifiant la Dizaine des Dessinateur•ices.

À partir du second numéro, le collectif commence à inviter des artistes émergent•es issues d’autres écoles dans la francophonie et mettent en place une direction artistique amenant à s’intéresser à une pratique du dessin qui rassemble une dizaine d’artistes produisant des esthétiques différentes. Le second est donc concentré sur le dessin très saturé chromatiquement, laissant visible la trace de l’outil (feutre, crayons de couleur, pastel, stylo bic, etc.). Le troisième et dernier en date publié en 2025 invite cette fois-ci des artistes plasticien•nes, ayant alors une pratique du dessin ambigüe entre surface et volume.

Dans une volonté d’être une plateforme de diffusion, le collectif se rend régulièrement sur des salons pour vendre ses productions, et ainsi diffuser le travail des artistes invité•es. La revue s’étant peu à peu éloignée de la bande dessinée pour se rapprocher de l’art contemporain, elle utilise aujourd’hui le médium
de l’édition pour tisser des liens entre ces deux mondes. Les œuvres réalisées pour le livre pouvant être amenées à être exposées, le livre acquiert alors le double rôle de revue de dessin/ catalogue d’exposition

Exposition du 11 février au 25 avril 2026

Vernissage le samedi 7 février 2026 à partir de 18h 
Ouverture du mercredi au samedi, 14h à 19h 
Entrée libre
Visite de groupe, réservation : starter@lastation.org

© Antoine Graff © Clément Morlé

En résidence temporaire depuis le mois de septembre à La Station et à l’occasion de sa sortie de résidence, Sayo Senoo présentera son exposition intitulée The Shameful Chrysanthemum II.

 » À l’occasion de la restitution de ma résidence temporaire à La Station, j’expose des œuvres autour de mon projet The Shameful Chrysanthemum (Le Chrysanthème honteux). Dans ces œuvres, faites avec les expérimentations d’imprimante et de scanner, deux images se superposent sous différentes formes : l’une représente une partie de la poitrine d’un dirigeant japonais du XIXᵉ au XXᵉ siècle, l’autre des gros plans d’anus.

Les dirigeants de l’époque arboraient fièrement les légions d’honneur japonaise, inspirée de celles de Napoléon, qui débordaient sur leur poitrine. A la suite de l’importation au Japon du colonialisme et de l’expansionnisme occidentaux, ils ont mené des invasions stupides en Asie.

D’ailleurs, certaines des légions d’honneur japonaises ont été conçues à partir de la fleur de chrysanthème, symbole de la famille de l’empereur. La fleur de chrysanthème est en même temps une métaphore de l’anus, dans l’argot japonais de certaines communautés.

En superposant ces deux images, j’interroge quel chrysanthème est le plus honteux: Ces badges ou cette partie de notre corps ?  « 

Sayo Senoo

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Née au Japon, Sayo Senoo vit en France depuis plusieurs années. Formée à la peinture à l’Université des Beaux-Arts Musashino-Bijutsu de Tokyo, elle a dû abandonner cette pratique après une longue convalescence à la suite d’un cancer. C’est pendant cette période  —d’abord comme échappatoire, puis comme un véritable langage artistique — qu’elle a commencé à explorer les limites et les potentialités de la présentation photographique.

Ses travaux ont été exposés dans des salons et festivals en France et en Europe, au Palais de Tokyo (Paris), à la Maison de la culture du Japon (Paris), au  Kunsthalle Düsseldorf (Allemagne), entre autres. Son travail a été inclus dans plusieurs collections publiques, telles que la Bibliothèque Kandinsky, Centre de documentation et de recherche du Centre Pompidou – Musée national d’art moderne à Paris, ou the Klingspor Museum à Offenbach (Allemagne).

Cette exposition est le fruit de la résidence temporaire proposée par La Station et soutenue par la DRAC PACA.
Exposition du 6 au 10 janvier 2026
Vernissage le vendredi 5 décembre à 18h

Avec les artistes : Tom Barbagli, Suska Bastian, Arnaud Biais, Jules Boillot, Camille Franch-Guerra, Lucille Jallot, Jeanne Leclercq, Donia Ouassit, Eleonora Paciullo, Phane Tribot la Spière, Philippe Paradis & Johan Christ-Bertrand, David Raffini, Omar Rodriguez-Sanmartin, Sayo Senoo, Clémentine Taupin, Cédric Teisseire, Agathe Wiesner et Anne-Laure Wuillai.

Pour la quatrième année consécutive, Support Station présente les travaux des artistes résident.e.s de La Station et de leurs invité.e.s dans un dispositif scénique conçu spécialement pour l’événement.

Support Station met en lumière les pratiques d’artistes qui la composent, la font vivre. Cette exposition permet de soutenir financièrement l’association Starter, à l’origine du projet La Station.

Il s’agira ainsi de proposer à la vente les œuvres exposées. Les recettes de cette vente généreront des ressources supplémentaires pour l’association, indispensables au bon fonctionnement de l’artist-run space.

Exposition du 6 décembre 2025 au 24 janvier 2026

Vernissage le vendredi 5 décembre à partir de 18h 
Ouverture du mercredi au samedi, 14h à 19h 
Entrée libre
Visite de groupe, réservation : starter@lastation.org

Exposition collective avec  Tom Barbagli, Arnaud Biais, Donia Ouassit, Clémentine Taupin, Cédric Teisseire, Agathe Wiesner, Anne-Laure Wuillai, Agnes Accorsi, Luc Bertrand, Paolini Dume, Sebastien Dominici, Romain Deceuninck, Lucille Jallot, Lionel Sabatte et Alexandra Vilani.

Chaque année, un tronçon de chemin est restauré en Costa Verde. Pour sa réouverture, Mì project inaugure le travail réalisé avec un évènement culturel et public nommé VÌA.
Il s’agit d’une exposition d’œuvres d’art in situ tissant des correspondances entre l’art contemporain et le patrimoine matériel et immatériel du lieu.

Cette année Mì project présente la deuxième édition du parcours, VÌA #2

Vernissage le 24 octobre 2025
Chemin artistique à visiter du 24 octobre au 31 octobre 2025.

Départ de la promenade, Eglise Saint-Vitus, Tarrano 20234

À l’occasion du lancement de l’Automne de l’Image, et dans le cadre des Journées Européennes du Patrimoine, un temps fort collectif investit le 109 le samedi 20 septembre. Au programme : vernissage de La Station et du festival L’Image Satellite, des concerts, du cinéma, un salon d’édition, etc.

Avec les artistes : Jonas Brinker, Viktoria Feierabend , Marta Galbusera, Josephine Scheuer, Tatiana Trouvé , Yana Tsegay et Yizhi Wan

Et si le premier outil culturel n’était pas une arme, mais un sac ?

Dans le cadre de la Biennale des Arts et de l’Océan La mer autour de nous*” l’artiste Ugo Schiavi investit la grande halle des anciens abattoirs de Nice avec une installation tentaculaire sur le monde des abysses : La Zone de Minuit**.

Cet univers rétrofuturiste est composé de vidéo, de sons et de sculptures créées à partir d’éléments recyclés, naturels ou industriels. En résonance aux enjeux écologiques et technologiques actuels, cet environnement hybride convoque les mythologies ancestrales ou les imaginaires contemporains des grands-fonds, l’archéologie sous-marine ou la fiction, la bioluminescence et la bioacoustique.

L’inquiétante et fascinante atmosphère créée évoque la destruction, par le dérèglement climatique et la pollution marine, d’un monde encore si inexploré et fantasmé.

Cette proposition artistique sensible et saisissante est une occasion extraordinaire d’aborder des enjeux majeurs et méconnus des océans.

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Artiste international, basé à Marseille et diplômé en 2011 de l’école nationale supérieure d’art, La Villa Arson, Ugo Schiavi a participé au Voyage à Nantes en 2021, à la Biennale de Lyon en 2022, au Noor Riyadh Festival et à la Bienalsur à Riyadh, en 2023, ainsi qu’à Manifesta 15 à Barcelone en 2024.

Ugo Schiavi. La Zone de Minuit

7 mai – 24 août

Grande Halle 109, pôle de cultures contemporaines

Coproduction La Station / Le 109 / MAMAC Hors les Murs

89 route de Turin – 06300 Nice

Commissariat général de la Biennale des Arts et de l’Océan : Jean-Jacques Aillagon et Hélène Guenin

Commissariat de l’exposition : Rébecca François, Attachée de conservation au MAMAC, Nice -
Direction de la création artistique de la Ville de Nice : Bénédicte Zuccarelli

*Rachel Carson, La Mer autour de nous, Domaine Sauvage, Editions Wildproject, 2019 Edition originale The sea around us, 1951 – Avec l’aimable autorisation de Wildproject et de l’Estate Rachel Carson.

**Autre nom donné à la zone bathypélagique, située entre 1 000 et 4 000 m, là la lumière du soleil ne pénètre plus.

Exposition ouverte du mercredi au samedi, 11h-18h

Avec les artistes : Antoine Boudin & Olivier Millagou, Suzanne Husky, Eloïse Le Gallo & Julia Borderie, Camille Llobet, Navire Avenir, Eleonora Strano & Vincent Malassis et Guido Van Der Werve.

Samedi 5 avril, à 13h30
Visite de l’exposition That’s Oil Folks !
en présence de Clémentine Taupin, artiste exposée et Cédric Teisseire, fondateur de La Station.
L’exposition collective That’s Oil Folks! – qui réunit à La Station quatre artistes contemporain.e.s – Stéphane Arcas, Fabien Boitard, Clémentine Taupin et Caroline Vicquenault – se propose comme un deuxième volet de l’exposition Back to the peinture réalisée en 2017. Ces projets, n’ayant pas la prétention d’être exhaustifs, tentent de montrer les questionnements actuels et les influences historiques de la peinture contemporaine.

Ouverture d’ateliers d’artistes

à 14h30
Performance Tendres Fracas, par Lucille Jallot, artiste en résidence temporaire à La Station

« Tendre fracas, proposition pour l’ouverture de l’atelier, d’un geste franc. Une chose toute simple.
Peut être là toute première chose à faire avant de commencer à travailler.
Puis attendre que repose la poussière.
Lucille Jallot résidente temporaire à la station.
Elle cherche dans l’espace-temps impartie à mettre en objet comme on met en lumière, le geste, le mouvement. »

Évènement organisé dans le cadre des visiteurs du soir, du réseau Botox(s)

Sortie de résidence de David Raffini
Vendredi 7 février 2025 • 18h

De passage à La Station où il résidait de manière permanente il y a tout juste dix ans, l’artiste David Raffini travaille actuellement à la construction de tableaux dans l’atelier des résidents temporaires.

Brumes et Ondoiements est la synthèse picturale d’une réflexion sur le processus initiée en 2007. L’atelier, réduit au minimum utile, permet l’organisation méticuleuse des productions qui en découlent.

Ces dernières seraient nées d’une expérience banale ; celle de scruter par la fenêtre l’apparition et la disparition d’un horizon dans la brume.

La posture romantique de peindre la sensation d’un paysage ne diffère pas tant de ce que l’on connait du travail de Raffini, mais semble tendre ici à un désir de synthèse.

Cela donne naissance à une série de « portraits de paysages » abstraits. Ces vapeurs colorées s’imprègnent à la fois dans le support, puis dans la rétine de celui ou celle qui regarde. Les tissus peints sont des torchons, des draps, ou encore des bâches de protections utilisées par les peintres en bâtiment.

Au premier plan des tableaux de la série Brume et Ondoiement, le regard vers la profondeur est comme perturbé par des plis. Ils donnent la sensation que le support n’est pas plan.

L’illusion trompe l’œil, et il faut s’approcher pour le comprendre. Les drapés sont peints par l’artiste. Cela rappelle la condition initiale du tableau : de la couleur imprégnée sur une étoffe qui ondoie naturellement lorsqu’elle est exposée au souffle de l’outil qui la peint.

Dans son hypothèse, David Raffini rapproche des périodes de l’histoire de l’art éloignées dans le temps comme dans le style sur la même surface du tableau. Elle témoigne des relations étroites entre composition, lumière, couleur, profondeur et représentation.

Le résultat, une peinture minimale et classique conjointement, une sensation.

Les tableaux semblent inspirés par une attention particulière portée au romantisme, à l’impressionnisme, à l’abstraction lyrique et à l’art minimal. Ils héritent par là d’une considération syncrétique de l’acte de peindre la surface d’un support, comme interrogation constante et intemporelle résolument ancrée dans le présent.

Exposition collective avec : Stéphane Arcas, Fabien Boitard, Clémentine Taupin & Caroline Vicquenault.

L’exposition collective That’s Oil Folks! – qui réunit à La Station quatre artistes contemporain.e.s – Stéphane Arcas, Fabien Boitard, Clémentine Taupin et Caroline Vicquenault – se propose comme un deuxième volet de l’exposition Back to the peinture réalisée en 2017 et réunissant les artistes Dominique Figarella, Yann Gerstberger, Tom Giampieri, Virginie Hervieu-Monnet, Adrien Vescovi et We Are The Painters.

Ces projets, n’ayant pas la prétention d’être exhaustifs, tentent de montrer les questionnements actuels et les influences historiques de la peinture contemporaine.

Ce médium, dont l’agonie est régulièrement annoncée, ne cesse de résister et ne se résout pas à devenir une figure du passé, au contraire, elle entend juste à continuer de devenir. Elle s’accroche au présent et se laisse saisir et malaxer par une succession de nouvelles générations depuis au moins les 3 dernières décennies qui nous intéressent ici.

Il est remarquable d’observer comment les artistes contemporain.e.s s’approprient et ré-interprètent les techniques et les styles du passé avec les outils  les plus actuels à leur disposition dans un mash-up qui peut être perçu comme une forme de dialogue entre l’histoire et les occurrences contemporaines.

Les questions du « quoi peindre aujourd’hui » ou l’inénarrable « tout a déjà été fait » s’évacuent au profit d’un appétit rageur de s’approprier le monde qui nous entoure et la Peinture dans tous ses courants, ses styles, ses dogmes, son histoire pour éclater le tout en une multitude de singularités, d’inventivités, d’hybridations où les notions formelles du médium deviennent le message ou en tous les cas une de ses émanations du sens.

Ces déplacements ontologiques, tels des mouvements tectoniques, que nous pouvons sentir autour de ces quatre artistes réunis à La Station, figurent avec justesse cette fraîcheur dans la recherche narrative épaulée par une richesse formelle hétérogène voire iconoclaste – tout au moins audacieuse – qui confère à l’espace pictural propre à la peinture un espace supplémentaire de liberté quasi infini et réjouissant.

Réjouissons-nous Folks!

Cédric Teisseire, 2025

Du lundi 20 janvier au samedi 25 janvier 2025, nous accueillons les restitutions des résidences Rouvrir le Monde portées par La Station des 15 artistes suivant.e.s:

Mouna Bakouli
Suska Bastian
Arnaud Biais
Magali Benso
Tristan Blumel
Marc Chevalier
Coline Dupuis
Quentin Dupuy
Camille Franch-Guerra
Frédéric Martinez
Caroline Rivalan
Eleonora Strano
Anna Tomaszewski
Claude Valenti
Agathe Wiesner

Chacun.e des artistes cité.es a réalisé une résidence en structure d’accueil ou en territoire à l’été 2024 en région PACA, favorisant l’accès à une pratique artistique pour les jeunes publics, les familles, les publics empêchées.

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La Direction régionale des affaires culturelles de Provence-Alpes-Côte d’Azur décline l’été culturel 2024 en résidences d’artistes Rouvrir le Monde afin de relier Culture et Loisirs pour tous les enfants, jeunes et adultes pendant l’été, et de proposer aux habitants des démarches participatives artistiques et culturelles menées par des artistes sur leur territoire: « Résidences en structure d’accueil », dans le cadre de projets de création et de transmission » auprès d’enfants, jeunes et adultes, et « Résidences en territoire » afin d’encourager des actions artistiques et culturelles participatives en direction de tous les habitants.

En résidence temporaire depuis le mois de septembre à La Station et à l’occasion de sa sortie de résidence, Nathan Carême présentera son exposition intitulée Le point neutre.
« Il y a les choses qui s’échouent sur la plage et celles qui tombent du ciel. Il y a les oiseaux qui volent sous l’orage et ceux rentrés chez eux. Il y a ce qu’ils ont abandonné et ce que la pluie oublie. Il y a les angles morts et ceux qui s’y cachent. Il y a ce que j’ai trouvé et ce que je ramènerai. »

Cette exposition est le fruit de la résidence temporaire proposée par La Station et soutenue par la DRAC PACA.
Exposition du 14 au 17 décembre 2024
Vernissage le 14 décembre à 17h
Ouverture exceptionnelle le lundi 16 et mardi 17 décembre, 14h-19h

Découvrez la 2ème nocturne de La Station, spéciale édition autour de l’exposition Vie-ves ! Sauvage en présence de :

•  Camille Frasca, commissaire d’exposition et directrice des musées de la Citadelle de Villefranche sur mer
• Leïla Chaix, artiste plasticienne et poétesse
• Marie-Hélène Dampérat, libraire gérante de la librairie Vigna spécialisée dans les ouvrages féministes et traitant des questions LGBTQIA+

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Découvrez le programme !

• Présentation du travail et de la démarche de Camille Frasca

• Lecture des poèmes de Leila Chaix, tirés de son premier ouvrage
OK CHAOS  ainsi que des inédits de son nouveau recueil.

• Présentation de la bibliographie de l’exposition Vie.ves ! Sauvage, réalisée par Marie-Hélène Dampérat de la Librairie Vigna

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Jeudi 21 novembre, dès 19h

La Station, 89 Route de Turin

Entrée libre

Samedi 16 novembre • 21h45
Hors-Les-Murs – Cinéma Variétés, Nice.

Projection d’un programme de films d’artistes suivie d’un échange, dans le cadre de l’exposition Vie-ves ! sauvage

- Patricia Allio, Reconstitution d’une scène de chasse, 2019. 35 min.

- Bianca Argimòn, Sol y sombra, 2019, 27 min

- Laura Lafon Cadilhac, Caresser la bête, 12’30

- Minia Biabiany, Musa, 2020, 14 min

Entrée libre. Sans réservation. Places limitées.

© Bianca Argimòn – Sol y Sombra

Entrée libre. Sans réservation. Places limitées.
Dans le cadre du festival OVNi

Vendredi 15 novembre • 19h30

A l’occasion de l’ouverture du festival OVNi à la Grande Halle au 109, La Station ouvre ses portes en nocturne !

Rendez-vous à partir de 19h pour une soirée rencontre et discussion avec Laura Lafon (Gaze Magazine), Jérome Cotinet-Alphaize et Marianne Derrien (Some of Us).

Entrée libre. Sans réservation.

© Some of Us
© Gaze Magazine

Avec Tom Barbagli, Suska Bastian, Johan Christ-Bertrand, Verana Costa, Sebastien Dominici, Camille Franch-Guerra, Maurice Fréchuret, Hildegarde Laszak, Donia Ouassit, Dumè Paolini, Philippe Paradis, Pugnaire-Raffini, David Raffini, Omar Rodriguez-Sanmartin, Clémentine Taupin, Cédric Teisseire, Stépharu Vilani-Penel, Rémi Voche, Agathe Wiesner & Arnaud Biais, Anne-Laure Wuillai et MIN.

Chaque année, un tronçon de chemin est restauré en Costa Verde. Pour sa réouverture, Mì project inaugure le travail réalisé avec un évènement culturel et public nommé VÌA.
Il s’agit d’une exposition d’œuvres d’art in situ tissant des correspondances entre l’art contemporain et le patrimoine matériel et immatériel du lieu.

Vernissage le 8 novembre 2024
Chemin artistique à visiter du 8 novembre au 31 décembre.

Départ de la promenade, Eglise Saint-Vitus, Tarrano 20234

Some of Us est une plateforme curatoriale, éditoriale inclusive et collaborative, est portée par l’association FluidLabor, structure de production, dirigée par Marianne Derrien & Jérôme Cotinet-Alphaize.
Adrien Elie est associé au projet en tant que curateur et archiviste. Huz & Bosshard sont associé.e.s graphiquement à l’ensemble du projet.

Créée en 2019, la plateforme curatoriale et éditoriale, Some of Us pose la question de la sous-représentation des artistes femmes dans les arts visuels. Si la place des femmes dans l’art est aujourd’hui reconsidérée, la situation est loin d’être équitable: elles continuent d’être minoritaires, et leur visibilité dans la création reste très inférieure. Pour ce faire, nous avons engagé, à propos de la création émergente, une collaboration étroite avec des artistes, commissaires d’expositions, critiques d’art, institutions, galeristes, collectionneur.se.s afin de faire émerger un premier récit dédié aux artistes contemporainexs en France depuis ces 20 dernières années.

Pas une librairie comme les autres La librairie Vigna propose des livres d’occasion et quelques titres neufs autour des cultures homosexuelles, queer, du féminisme, un rayon beaux-arts, des ouvrages sur le cinéma, le théâtre, la poésie. La librairie Vigna, 3, rue Delille à Nice, ne veut pas être un store comme on en voit plein d’autres. Si elle vend des livres, ils sont souvent anciens, d’occasion ou neufs, et évoquent exclusivement les cultures homosexuelles et l’histoire des femmes. « Moins cher qu’Amazon » « C’est moins cher que sur Amazon », s’amuse Françoise Vigna, l’une des deux gérantes de l’établissement. Plus sérieusement, on voit les livres : « je trouve ça très important de les voir, de les feuilleter, de voir si on va être intéressé, de changer d’avis. Ça ne peut se faire que physiquement. Et puis, et puis il y a la rencontre et l’échange ». Une proposition de stand sur l’histoire des éco-féministes.

Gaze est une revue féministe indépendante qui célèbre les regards féminins.
Nos imaginaires ont si longtemps été forgés par la perspective masculine qu’ils ont un besoin brûlant d’alternatives ! C’est avec cette ambition que Gaze, la revue des regards féminins, est née en 2020. A travers des récits intimes, du
reportage en immersion et une tonne de photographie, elle est entièrement pensée et faite par des femmes et personnes non-binaires et s’intéresse aux enjeux sociaux, intimes et culturels de la condition féminine.
Gaze, c’est deux fois par an un bel objet précieux, sans publicité, entre magazine et livre, bilingue français-anglais. Loin d’une info qui se picore et puis s’oublie, nous croyons dans le papier s’il est pensé comme un objet que l’on garde, que l’on chérit, et qui sera toujours pertinent quand on le ressortira de sa bibliothèque deux ans après sa parution.
Dans les pages de Gaze se côtoient les personnalités et les inconnues, les jeunes et les moins jeunes, les grandes signatures et les débutantes, toutes sur le même plan. Gaze n’est pas le journal du débat féministe mais une porte d’entrée sensible et inspirante dans un féminisme inclusif et intersectionnel.

AWARE est une plateforme curatoriale, éditoriale inclusive et collaborative, est portée par l’association FluidLabor, structure de production, dirigée par Composée d’une équipe internationale, l’association œuvre à rendre visible les femmes artistes des XVIIIe, XIXe et XXe siècles en produisant et en partageant gratuitement sur son site internet du contenu bilingue (français/anglais) sur leur travail.
Afin de diffuser largement les recherches sur les femmes artistes et les études de genre, AWARE organise également des colloques, tables rondes et séminaires en partenariat avec des institutions, universités, musées et autres structures indépendantes à l’échelle internationale, et édite ses propres publications. Les prix AWARE pour les femmes artistes sont décernés chaque année, en partenariat avec le ministère français de la Culture, à une artiste en milieu de carrière et à une artiste ayant une carrière de plus de quarante ans, afin de rendre hommage aux femmes dont la carrière artistique n’a pas été pleinement célébrée et de promouvoir la création artistique contemporaine.

Alicia Zaton est née en 1989 à Villeneuve St Georges. Diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Arts de Paris Cergy en 2014, elle passe également par la Cambre à Bruxelles en section sculpture.

Son travail est imprégné d’un imaginaire rurale et vernaculaire puisé essentiellement dans ses origines polonaises. La question de la quête, au cœur sa démarche, s’étoffe de récits personnels.
Artiste, scénographe et sculptrice elle entretien un lien fort avec l’artisanat ; sa recherche l’a amené à collaborer avec divers artisan.e.s, des verrier.er.s, metallier.e.s, miroitière, fondeur.euse.s, apiculteur.euse.s ou sculpteur.ice.s sur glace.
Travaillant depuis sept ans dans une librairie de livres anciens spécialisée en manuscrits médiévaux, l’esthétique du moyen-âge, ses figures et narrations sont venues progressivement infuser sa recherche identitaire et plastique,
permettant ainsi l’émergence de récits hybrides. Sa pratique artistique est multiple et peut s’égrainer ainsi, sculpture, installation, photographie, édition, sérigraphie, écriture, vidéo.

Emmanuel Macron avait déclaré n’avoir besoin que de 3 à 5 heures de sommeil, Gabriel Attal tiendrait un rythme de sommeil de 4 heures par nuit, Donald Trump ne dormirait qu’entre 1h30 et 3 heures…
Faisons l’hypothèse que si tout ce beau monde se reposait un peu plus, le monde irait peut-être mieux. Drôle de modèle que celui de la valorisation des corps épuisés par le travail.

Née à Nice, Célia Viale est diplômée en Design Textile de l’Académie des Beaux-arts de Tournai en Belgique. Avec cette installation, elle prend le contre-pied d’une société individualiste en s’associant avec des collègues de travail peu banales : des Vers à soie. Refusant le rapport de domination exercé par l’Homme sur les autres espèces vivantes, elle donne à voir un processus créatif qui s’articule autour du cycle de vie de ses compagnons, dans un environnement égalitaire où règne le temps long. Un temps pour mieux voir le vivant s’exprimer. Passer des heures à prendre soin de ses compagnons, toutes ces heures ne seront pas comptabilisées dans le PIB du pays. Est-ce pour autant
qu’elles n’ont aucune valeur ? Quand Michel le Ver à Soie mange, quand il dort, quand il tisse, quand il se métamorphose dans son cocon, tout cela ne VAUT-il rien ? Célia propose de se questionner sur l’échelle de valeur imposée par notre système capitaliste, de retrouver le ver plus ou moins caché en soi, afin d’en prendre soin. Après avoir perdu sa mère lors de l’attentat du 14 juillet 2016 à Nice, elle met un point d’honneur à prendre soin de la vie et des corps, même après leur mort. C’est dans ce but qu’elle crochète un dernier cocon autour de ses amis, le temps venu, qui sera leur cocon-cercueil.

Noémie Monier est plasticienne. Née en 1984, elle vit et travaille à Paris. En 2021, elle amorce un projet autour des arts divinatoires qui fera l’objet de l’exposition individuelle Mancie Manie, présentée à Doc (Paris) en septembre 2022 puis au
Metaxu (Toulon) au printemps 2023. Elle forme le duo MKNM avec Magda Kachouche depuis 2015. Objets, installations, performances et vidéos : leur travail se tisse dans une polymodalité des formes. En 2019 et 2020, elle est collaboratrice artistique sur la création de MACCHABÉE, pièce chorégraphique, vocale et plastique de Magda Kachouche dans le cadre de l’invitation de la Galerie Cuissard.

Résidente de Doc depuis 2016 elle préside l’association en 2018 et 2019 et fait partie de l’équipe en charge de la programmation des expositions pour les saisons 2020 et 2021. En 2019, elle co-dirige BOOTLEG / Underthecoat, un projet collaboratif entre Paris et New York.
La pratique plastique de Noémie Monier est régie par une intuition méthodique. Dans une acception multiforme, l’imagerie, le nombre et le matériau obéissent à une logique obscure et intime. Chaque œuvre qui en découle délivre la facette
palpable d’un monde souterrain, activé par un processus de symbolisation. Cette velléité de saisir les choses mystérieuses et cachées, de leur donner corps, rapproche ce travail artistique de la magie. « La magie a souvent été pensée comme l’art de faire devenir vrais les rêves : l’art de réaliser les visions. Ici, une table de divination où les règles s’inventent avec les oeuvres maquettes.

Annette Messager appartient à une génération d’artistes qui, depuis les années 1970, a renouvelé le langage artistique. Sans prise de position déclarative, elle affirme sa double identité de femme et d’artiste.
Artiste collectionneuse, Annette Messager réalise depuis le début des années 1970 des albums organisés selon divers thèmes – la vie sentimentale, les rencontres, la vie domestique – qui s’apparentent au registre du journal intime, à l’album photographique ou au livre de recettes, pour créer une œuvre subtile et poétique. Ma collection de proverbes (2012) rassemble des dictons misogynes «maladroitement » brodés par Annette Messager sur chacune des quinze pièces
de coton blanc, dévoilant ainsi de caustiques points de vue. Cultivant l’ambiguïté, elle crée des personnages : la « Collectionneuse », la «Truqueuse », l’« Amoureuse », la « Femme pratique », dont les vies imaginaires sont l’occasion de déjouer les préjugés et d’exposer les non-dits. À partir des années 1980, l’intégration de fragments de corps par la photographie, le recours à des peluches et des pantins, l’insertion de ceux-ci à des univers mécanisés concentrent la charge émotive et symbolique d’œuvres qui apparaissent désormais comme les reflets tour à tour dérisoires, grotesques ou dramatiques du théâtre de la vie. En 2005, Annette Messager a reçu le Lion d’or à la Biennale de Venise où elle représentait la France.

Laura Lafon est photographe et directrice artistique. Diplômée en gender et cultural studies de Sciences Po Toulouse et de l’ESA le 75 à Bruxelles en photographie. Elle vit à Paris. Ses travaux photographiques et éditoriaux engagent la fiction et le documentaire, l’intime et le politique. Elle a notamment exposé à PhotoSaintGermain, Photolux, Fictions Documentaires, au FoMu. Elle est la directrice artistique des images de Gaze, la revue des regards féminins et non- binaires. Elle est aussi à l’initiative de Lusted Men, une collection participative de photographies érotiques d’hommes, qui souhaite bouleverser les rôles et les représentations de genre. Enfin, elle travaille comme portraitiste et photographe de presse.

« Regarder depuis l’ombre, d’où on ne nous a pas appris à regarder » – pour reprendre une phrase qui a émergé lors d’une consultation de l’oracle lors du workshop donné à Casa Espacio en janvier 2024.
Présage Tirage Mirage est mon oracle photographique. Il prend racine dans les mouvements sociaux entre 2019 et 2024 dans la province de Valparaiso au Chili, et a été rendu possible grâce au soutien de la Bourse Brouillon d’un rêve de la
Scam, de l’Institut français du Chili et du festival international de fotografia de Valparaiso. Enfin, je remercie toutes les personnes qui ont pris part à sa création, et qui m’ont accompagné dans les méandres de nos émotions et de nos rêves, apprentissage commun de la douleur de vivre.

Charlotte Janis Rabuteau (née en 1988), artiste française, cofondatrice du Wonder. Sa pratique artistique autodidacte slalome entre le dessin, la peinture, la vidéo et l’installation. Autant de supports à narration qu’elle active cycliquement
autour des liens et métamorphoses qu’apportent l’organisation collective aux humain·e·s et non humain·e·s. Il y a 2 ans, elle cofonde le projet Spora avec l’artiste paysagiste Roberto Dell’Orco. Spora est un projet de recherche et d’actions
expérimental, participatif et transdisciplinaire autour du mycélium et des champignons. Depuis, Charlotte prête sa parole d’artiste à traduire ce que ces actions provoquent car les rencontres tissées par Spora créent un aspect rhizomatique qui engendre successivement de nouvelles possibilités et collaborations transdisciplinaires, toujours gravitant dans les épaisseurs de la cartographie du monde fongique. En travaillant sur le sol et le mycélium, Charlotte imagine des récits sciences-frictions pour développer l’imaginaire commun contemporain sur la connectivité inévitable du vivant au sens large.

Née en 1975 à Bazas (France)

Formée par la terre, puis en paysagisme et en agroécologie, Suzanne Husky développe une pratique artistique qui d’une part observe les formes de dominations sur le vivant et leurs interconnections, mais est aussi force de propositions.
Peut-on « œuvrer avec la terre » plutôt que lutter contre ? Peut-on amplifier nos environnements, comme nous l’enseigne le peuple castor ? Ses œuvres peuvent prendre la forme d’un sol aggradé (régénéré), d’un·e jardin- forêt, de la recherche des savoirs de la terre présents dans les contes ou d’une tapisserie sur les oiseaux et la pédogenèse (ensemble des processus qui, en interaction les uns avec les autres, aboutissent à la formation, la transformation ou la différenciation des sols).

Née en 1997 à Angoulême, Carla Gueye vit et travaille à Paris. Diplômée d’un DNSEP à l’École Nationale Supérieure d’Art de Cergy en 2022, elle a exposé dans divers lieux tels qu’au 68ᵉ Salon de Montrouge (2024), à la 6e édition de
100%L’EXPO à La Villette (2024), à la Galerie le Manège de l’Institut Français au Sénégal à Dakar (2024). En 2023, Carla Gueye présente sa première exposition personnelle “Dans la chambre je suis…” au sein de la Galerie Quatorzerohuit à
Dakar. Elle fait également partie du collectif afro-féministe NMT (Not Manet’s Type) en référence à l’Olympia de Manet telle que revisitée dans l’exposition Le modèle noir au Musée d’Orsay en 2019.

Le travail de Carla Gueye explore l’intime tout en interrogeant le métissage. Il résonne avec une histoire familiale plurielle enrichie de trois sphères culturelles :
l’Afrique, l’Asie et l’Europe.

Autant de fils de tissage différents qui s’entrecroisent et dialoguent sur une même trame. Confisquées d’une grande partie de ces cultures dont elle est issue, elle établit un travail de mémoire en s’intéressant aux savoirs-faire traditionnels et artisanaux et en intégrant des matériaux organiques. Ses dernières productions s’inscrivent sur une ligne de crête entre art et objet, entre sculpture et installation avec une valeur d’usage.
Dans cette perspective, elle souhaite développer un “art habitable”, inséparable de la vie et au plus proche d’une écologie sociale et artistique.

Née à Paris en 1979, vit et travaille à Paris. Diplomée des Beaux Arts de Paris en 2007, elle a séjourné au Sydney College of the Arts (2006) à la Zayed University d’Abou Dhabi dans le cadre d’une résidence workshop en partenariat avec l’Institut
Français, (2010), Lauréate du prix Yishu 8 à Pékin, (2011), ou encore au Togo, à Lomé (2013) et en Jordanie à Petra.

Cécile Granier de Cassagnac se définit avant tout comme peintre. L’inspiration de son travail s’appuie sur le vivant (animaux, humains, plantes, minéraux) pour mieux s’en détacher.
Elle développe un langage plastique qui a pour point de départ ses voyages et résidences d’artistes à l’étranger ou encore le glanage d’images et d’objets. Ces voyages et ces objets sont autant de curiosités qui refont leur apparition dans les
peintures sous forme de souvenirs liquides, de mémoire floue et colorée sur le papier. Là, ou l’aléatoire de l’aquarelle tente précisément de cerner la rêverie.

Agnes Denes est une artiste américaine qui s’est d’abord inscrite dans l’Art Conceptuel, avant de faire partie du Land Art. À la fin des années 1960, elle en repousse les frontières dans un Art Écologique qui s’étend de la création individuelle à la conscience sociale, une esthétique rousseauiste 1 “éco-logique” confrontant les problèmes liés à l’environnement.
Elle se nourrit d’une culture scientifique et de la vigueur de l’art contemporain; L’Art et la Science, tous deux vecteurs de connaissances et d’expériences humaines, font œuvre commune pour s’opposer à une civilisation anthropocentrique qui se ferme à la nature, fondée sur l’idée suicidaire et progressiste de son exploitation. Il n’est plus seulement question du paysage comme représentation, mais de Nature-même. L’artiste intervient sur site sous la forme de performances.
Elle y développe une métaphore singulière de croissance -mouvement de la vie et évolution permanente.

L’œuvre Rice/Tree/Burial se présente aujourd’hui sous la forme :
– d’un jeu de photographies, chronique de la réalisation de chacun des quatre actes de la pièce ;
– d’un dessin en diagramme triangulaire, le concept de triangulation chez Denes est une philosophie visuelle qui permet de sortir d’une idée classique d’opposition ;
– d’une édition, texte de l’artiste interprétant librement le projet sous forme poétique.

Dans la ville de Ylöjärvi (Finlande), Agnes Denes a planté une forêt prenant la forme d’une spirale et inspirée du nombre d’or, d’un tournesol et d’un ananas. Pour ce projet participatif, 10 000 personnes ont été invitées à planter un arbre, lui
donner son nom, assurer sa bonne conservation et léguer cette responsabilité à ses descendants sur 400 ans. Durant cette période, la forêt ne peut pas être vendue et les arbres ne doivent pas être coupés.
Ces 400 années représentent la durée nécessaire au développement d’un l’écosystème viable sur la montagne.

D’OK CHAOS, on pourrait dire que c’est un anti-journal intime, écrit depuis les bords d’un capitalisme qui étouffe, compresse et abîme les corps, et plus particulièrement celui des femmes.
De Leïla Chaix, artiste auteure d’à peine trente ans, on pourrait tout aussi bien dire que c’est une gymnaste — elle passe de la prose à la poésie comme on saute un portique de métro, se glisse dans l’interstice entre le féminisme et les blagues de beauf, dit ta gueule comme on dit bonjour, et, en toute situation et devant tout ennemi, refuse de se laisser humilier.
Avec OK CHAOS, elle mixe une douzaine de scènes, chroniques et poèmes, tous sentimentaux et viscéraux, pour interrompre, interroger, amplifier les tumultes de son temps. Un anti-journal intime, donc, où des grèves, des rendez-vous administratifs, des couples qui ne se regardent plus et des quais de métro s’affrontent sous une plume à la fureur hilare. Leïla Chaix retourne et détourne à peu près tout ce qu’on a l’habitude de lire sur la quotidienneté des femmes. Elle nous parle des travailleurs, des inconnus, des collégiens, d’avortement et de kébab. En filigrane, il y a bien sûr, le communisme, la résistance, la marge.
L’auteure, 30 ans, mixe une douzaine de scènes, chroniques et poèmes, pour interrompre, interroger ou amplifier les tumultes de son temps.
Ici, une « Hermione déchue » prend la parole. Ainsi se présente Leïla Chaix avec l’ironie légère qui porte son livre, déchéance toute volontaire d’ailleurs car l’auteure a rejoint les réfractaires qui refusent de faire fructifier les grands diplômes – n’importe quel « petit » boulot leur va mieux qu’un « bullshit job », fût-il payé des mille et des cents. Alors, un beau jour, elle a quitté Paris, avec ses livres et ses rêves d’une vie toute neuve dans la vallée de la Roya (Alpes-Maritimes).

“Vivace qui se maintient sans défaillance, qu’il est difficile de détruire. D’un mouvement rapide, vif. Allegro vivace, une joie vive.”

Vivace(s) propose de créer une relation singulière avec son auditoire en touchant au cœur, en pénétrant le corps comme le ferait la musique.
Vivaces donne la parole aux acteurs sensibles et engagés au service du vivant.
En entrant dans les Jardins du monde, Vivace (s) invite au voyage sensible et nous interroge sur le lien que nous tissons avec la Terre et tous les êtres qu’elle accueille.
Une ode à ce qui, autour de nous, demeure et se régénère

Partageant sa vie entre la Bretagne et Paris, Patricia Allio est associée au TNB à Rennes. Autrice, metteuse en scène, performeuse et réalisatrice, elle écrit pour la scène et le cinéma, et dirige les rencontres de ICE dans le Finistère. Depuis sx.rx.Rx, sa première pièce mettant en scène la langue insurrectionnelle de Daiber, créée en 2004 à la Fondation Cartier et au TNB, puis en 2006 au KunstenFestivaldesArts, elle revendique et explore le pouvoir performatif de la parole sur scène. Elle invente un théâtre documentaire reliant l’intime et le politique, la culture populaire à une culture dite savante, aux prises avec des préoccupations de classe et décoloniales.
Elle pratique le reenactment, puise dans l’histoire de l’art brut, des cultures queers, punks et underground, explore des rituels populaires, rapproche la culture prolétaire d’approches plus conceptuelles. Dans toutes ses créations (films, pièces,
textes, ICE Festival) elle n’a de cesse de mettre la marge au centre, de rendre les minorités visibles ou audibles, d’interroger ou de défaire nos constructions identitaires normées et sédimentées, pour en faire ressortir leurs virtualités mutantes et liantes.

Louise Thurin est une activiste culturelle et auteure spécialisée dans l’art moderne et contemporain africain et afrodiasporique.
Elle coordonne plusieurs projets chez AWARE : Archives of Women Artists, Research & Exhibitions qui visent à accroître la
visibilité des femmes artistes noires et autochtones à travers la production de connaissances.

Née à Montréal et basée à Paris, Anaïs Auger-Mathurin est une historienne de l’art, curatrice et autrice spécialisée en art contemporain. Diplômée en histoire de l’art de
l’Université de Montréal et de l’École des hautes études en sciences sociales (EHESS), ses recherches portent sur les enjeux de collecte, de conservation, de recherche,
d’interprétation et d’exposition des arts classiques d’Afrique au sein du musée.

Minia Biabiany questionne dans son travail la relation au territoire et au lieu à partir du contexte caribéen et guadeloupéen – sa poétique, son histoire coloniale, son
présent comme territoire dominé et sous assimilation. Dans ses installations et vidéos, le tissage sert de paradigme pour penser les structures de la narration et
du langage. Elle a initié le projet collectif du Semillero Caribe en 2016 à Mexico et continue ses recherches en lien avec la pédagogie en Caraïbe avec Doukou,
plateforme d’expérimentation abordant des concepts d’auteur·es caribéen·nes par le corps et le ressenti.

Dans les installations qu’elle a conçues pour le Palais de Tokyo, matières naturelles, transformées ou fabriquées s’entremêlent et ponctuent
l’espace du sol au plafond, orientant autant qu’elles contraignent la circulation et le regard en imposant au corps une certaine lenteur.
En lien avec la mémoire de l’esclavage, l’exploitation des territoires et des corps, l’artiste ouvre des parallèles entre espace psychique et espace physique, en s’inspirant du jardin créole, lieu de
production vivrière investi de propriétés curatives.
Son travail fait l’objet d’expositions personnelles au Kunstverein, Fribourg (2021), à La Verrière, Bruxelles (2020) et au Magasin des horizons, Grenoble
(2020). Il a par ailleurs été présenté au CRAC Alsace (2019) et à la 10e Biennale de Berlin (2018).

Bianca Argimon, de nationalités française et espagnole, est née en 1988 à Bruxelles.
Son esprit est celui d’une héritière de ce siècle à qui tous les excès inspirent en permanence des images.
En mêlant et réactualisant les époques, Bianca Argimon cherche à rendre visible les pulsions battantes de notre monde, son travail parle du temps qu’il fait chez nous sur cette planète affolée.
Elle reproduit les travers de notre société dans des fables modernes qui contiennent mille et une histoires paradoxales, absurdes ou cocasses.
À la manière des artistes médiévaux, un fourmillement de détails et d’allégories entraîne l’œil dans un tourbillon de situations ubuesques; explorant les peurs, les préjugés et les tabous du monde contemporain.

« Ma pratique aborde des zones entre fiction et réalité rurale à travers un bestiaire qui place la.e regardeur.euse dans la passivité. Par la promiscuité inter-espèce, il est question d’interroger les racines communes au paysan.ne, au paysage et au pays.

À partir d’un travail d’écriture et de photographies, sous la forme de déambulations dans le territoire Poyaudin2 mes recherches trouvent leur expression à travers une palette pastel, à fleur de peau, dominée de teintes de verts acides et criards.

Les disparités picturales résultent des négations qui s’opèrent dans le paysage rural contemporain avec l’apparition de la technologie tant du côté domestique qu’agricole. Fille et petite-fille d’agriculteur.rices et d’éleveur.euses bovins, mon travail est tout entier imprégné du corps de ferme1
dans lequel j’ai grandi et construit mon identité picturale. »

Exposition collective avec : Patricia Allio, Bianca Argimón, Anaïs Auger-Mathurin & Louise Thurin, AWARE, Minia Biabiany, Kalice Brun & Eve Pietruschi, Leïla Chaix, Ágnes Dénes, Camille Frasca, Cécile Granier de Cassagnac, GAZE MAGAZINE, Carla Gueye, Suzanne Husky, Charlotte Janis, Laura Lafon, Librairie Vigna, Annette Messager, Noémie Monier, Some of Us, Célia Viale et Alicia Zaton.

Vie-ves ! Sauvage propose de repenser les limites d’une exposition collective dite conventionnelle où les formes plastiques se cantonneraient à rester à leur place.
Sur une proposition curatoriale de Camille Franch-Guerra, le projet d’exposition a été pensé et construit avec les artistes invitées.  Échanges, récits, archives se croisent pour formuler un théâtre où les mémoires d’un passé-présent-futur laisseraient apparaître différentes strates matérielles de notre retour au sauvage féminin. L’exposition endosse le rôle d’un titre “reclaim” qui suggère les liens entre oppression des femmes et celui de la nature proposant non seulement d’insurger, d’étayer mais aussi de transfigurer ce concept par une piqûre poétique de l’être féminin pluriel(les).

En collaboration avec le Frac Lorraine, la Galerie Alain Gutharc et le festival OVNI.
Avec le soutien de la ville de Nice, du pavillon Bosio, de la Villa Arson et le MAMAC.

© Elena King

À l’occasion du finissage de l’exposition Pajama Party, et pour lancer la 3ème édition de L’Automne de l’Image, La Bande Passante associée à La Station, provoque une déferlante rebelle et sensuelle d’oeuvres audio-visuelles en tous genres (expérimental, documentaire d’auteur, animation), puisées dans les programmations automnales. Des films polymorphes aux esthétiques inventives, radicales, et déridées…

• Kindertotenlieder de Virgil Vernier. France. 2021. 28’. Documentaire

À partir des archives du journal télévisé, retour sur les émeutes de 2005 en France, survenues suite à la mort de deux jeunes poursuivis par la police.

• Les filles c’est fait pour faire l’amour de Jeanne Paturle, Cécile Rousset, Jeanne Drouet et Emmanuelle Santelli. France. 2024. 15’49. Documentaire animé produit par Girelle Production

Dans le bureau d’une sociologue trois femmes évoquent tour à tour leur vie sexuelle. Leurs récits se mêlent et nous portent vers des chemins d’émancipation

• Underground Lovers de Gianluigi Toccafondo. France/Italie. 2021. 4’30. Animation

Où l’issue est fatale.

• Varlifornia Dreamin’ de Alexandre Telliez-Moreni & Samir Bouallegue. Var. 2022. 72’. Documentaire produit par Toolong Records.

Un géographe et deux amis musiciens parcourent le Var à la recherche de la Californie dans un documentaire aux allures de road movie. Il y sera question de nos rapports à la nature, de nos modes de vie mais aussi de musique. Une quête à mi-chemin entre fantasmes et réalité.

Projection suivie d’une selecta musicale par Hell Botcho

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